美国纽约古根海姆美术馆(Solomon R. Guggenheim Museum)- 弗兰克·劳埃德·赖特(Frank Lloyd Wright)

建筑概况:
建筑设计:弗兰克·劳埃德·赖特(Frank Lloyd Wright (1867-1959))
地点:美国,纽约市,曼哈顿上东城第五大道与第89街路口拐角(1071 Fifth Avenue at 89th Street)
项目全称:所罗门·古根海姆美术馆(Solomon R. Guggenheim Museum)
项目时间:1943(设计)-1959(完工)
建筑入选美国国家史迹名录、美国国家历史名胜
官方网站:http://www.guggenheim.org/

实拍视频:

视频原链接:https://v.qq.com/txp/iframe/pl ... wyz0a

建筑综述:
纽约古根海姆美术馆是纽约著名的地标建筑,是建筑大师弗兰克·赖特“有机建筑”构思的顶峰。该美术馆是一个可塑性的建筑:混凝土被塑造成曲线的形状,用钢材加固。过去建筑中横梁式的结构被弃用了,如赖特所说:
在这里,建筑第一次体现了可塑性,地板从一层流动向另一层,取代了传统的把一层层楼面用柱子和梁的结构来叠加固定的做法。整个建筑是现浇混凝土的,就像一个蛋壳——一种非常简洁的形式——而不像那些正交形平面的建筑。这些轻柔的混凝土躯体,在植入了钢筋的细线或者钢筋网后,强壮得足以在任何部位使用。因而在结构上只是这些悬挑和连续性的计算,而不再是柱子和梁的计算。这种结构带来的结果是一种宁静、一种连续波浪般的氛围:眼睛不会被形式的改变所干扰。在科学上,这几乎是最坚不可摧的建造的方式。







美术馆由陈列大厅、办公大楼以及地下的报告厅三部分组成。陈列大厅是美术馆的主体部分。大厅由螺旋形的坡道环绕着中庭,组合而成的上大下小倒立的螺旋体圆形大厅。开敞的中庭为圆形,一通到顶,高达30米,直径为30.5米。大厅顶部是一个花瓣形的玻璃顶,阳光由此射入,大厅里的天然光主要从这里获得。中庭四周是盘旋而上的层层挑台,一共有6层。螺旋形的坡道以3%的坡度蜿蜒而上。底层坡道宽约5米,直径28米左右,往上逐渐变宽变大,到顶层时,直径达到39米,坡道宽至10米,整个大厅可同时容纳 1500 人参观。螺旋形的坡道总长为431米,外墙面不开窗,展品就悬挂在内表面的墙上。墙体上部开设有条形的小窗,以补充坡道的采光。
这条连续的螺旋形坡道颠覆了传统的展览动线。在这里,展览与动线的合二为一,形成了环绕中庭的连续的“线型”展览空间,使得参观路线可以“一气呵成”。






 
建筑评论家保罗·戈尔德伯格( Paul Goldberger)谈道,在赖特的这座美术馆之前,“博物馆设计只有两种常见模式:布扎体系的宫殿形式......和国际风格现代主义馆”。戈尔德伯格认为这座建筑是“改变”的催化剂,使“建筑师设计的具有高度的表现力,极具个性的博物馆”在社会和文化方面都被接受成为了可能。从这个意义上说,我们这个时代几乎每个博物馆都是纽约古根海姆美术馆的孩子。("there were only two common models for museum design: Beaux-arts Palace ... and the International Style Pavilion." Goldberger thought the building a catalyst for change, making it "socially and culturally acceptable for an architect to design a highly expressive, intensely personal museum. In this sense almost every museum of our time is a child of the Guggenheim.")

缘起:
美术馆的建立者是所罗门·R·古根汉姆(Solomon R. Guggenheim),他生于19世纪的美国一个十分有影响力的、靠煤矿工业积累财富的瑞士血统家族。按照有教养人的习惯,在精英云集的环境下,古根汉姆和他的妻子,Irene Rothschild,在博爱和审美的传统中长大,成为热心的艺术赞助人,并积累起很多古代大师的作品。但在1927年,当古根汉姆第一次遇见年轻的德国贵族女子希拉·雷贝(Hilla Rebay von Ehrenwiesen),并听取其介绍的欧洲当代绘画中一种实验性的潮流,使他的收藏方向发生了戏剧性的转变。

Rebay接受非具象(non-objective)是一种新艺术风格和审美哲学的诞生的观点。在美学上从经验世界获取形式的抽象观点与纯艺术创造上的非具象二者之间,Rebay选择了后者,相信其中充满了神秘的内涵。非具象一词是Rebay从德国术语Gegenstandslos翻译而成,表示文学性的,“没有对象的 (non-objective art)”词语来源于康定斯基的理论作品,所表达的最高美感和精神法则对于Rebay而言,产生了重要的影响。“前所未有的”,Rebay在她第一次叙述艺术的使命时写道,“还有比绘画中从具象到非具象在从物质到精神的过程中更伟大的前进步伐么?因为我们注定要更有创造性,转向精神世界是我们的命运。人文主义将得到发展并自然而然地从伟大的艺术上感受到更多的能量,这便是非具象杰作的辉煌。”





在Rebay充满激情的言语感染下,在对这相对未知领域进行收藏的先进想法的引导下,古根汉姆从1929年开始系统性地购买非具象艺术家的作品。早期购买的作品包括罗伯特·德劳内(Robert Delaunay)、瓦西里·康定斯基、费尔南达·雷格尔(Fernand Leger)以及纳吉(Laszlo Moholy-Nagy)。生于俄国的艺术家康定斯基是最早阐释这种纯粹的非模仿绘画的人之一,他的作品最终奠定了整体收藏的方向。艺术家布满颜色的画布上充斥着生动的集中或对比的形式,展示了康定斯基在其最广泛流传的理论著作中定义的抽象哲学,在《论艺术精神》(Uber das geistige in der kunst 1911)和《论点、线、面》(Punkt und linie zu flache 1926)中,把颜色比作音乐声调,形状比作不同感情的载体,他发明了其所指的艺术家内在需求的正式的语言表达体系。

很快,古根汉姆酒店套房的墙上就挂满了新的收藏。随之,他的考虑重点必然转向了能够公开展出这些作品的可能性,并在1937年建立了所罗门·R·古根汉姆基金会,其目的是为了“艺术上的促进、鼓励和教育以及启蒙大众”。在拥有基金会以后,古根汉姆预想了一个设计成可以容纳不断增长的艺术收藏的博物馆建筑。在他的计划下, Rebay很快开始计划怎样可以最好的实现他们的梦想。她自20世纪30年代以来与古根汉姆的通信中都充满了建立一个非具象艺术的“美术馆——殿堂”的计划与提议。

最后,在1939年,古根汉姆在纽约曼哈顿东54街租下了一个旧的汽车展示室。Rebay在建筑师William Muschenheim的协助下把其改造成为一个功能齐全的临时展览空间,命名为非具象绘画美术馆。馆里只展示了一些最单纯的抽象艺术的绘画;一些被认为是先驱艺术家的抽象派或具象派作品,如夏加尔(MarcChagall),也包括在这一时期的收藏中,但仍留在古根汉姆的酒店套房中,并未参加展览。美术馆获得了很大成功,同时Rebay作为第一任馆长,欢迎并支持很多年轻的美国抽象画家,并展示了他们的作品。

在1943年,为了满足日益繁荣的非具象美术馆的要求,Rebay决定开始新的征程:建立一个永久性的建筑以容纳古根汉姆的藏品和举行基金会的活动。她选择了众所周知的美国建筑师赖特(Frank Lloyd Wright),她在信中对赖特提到,她想要一座“精神圣殿(temple of the spirit)”,一座“丰碑(a monument)”。






虽然赖特在第一次接触这个设计任务的9个月以中才获得美术馆的用地,建筑师早就预料到场地将会是曼哈顿的一块城市用地。他意识到,在这里建造一个新的建筑,将需要竖向利用空间。他给雷贝发了封电报:“请相信,如果我们把水平方向的建筑改为垂直方向,我们会得到满意的东西。请将这个修改内容转告给古根海姆先生,并获得他的准许。如果他同意,我马上启程去纽约。”
 
赖特已经决定采用了一个连续的坡道,但为了不惊动雷贝和古根海姆,1944年1月20日,在给雷贝的信中,他仅仅暗示了他的想法:我一直在图板上忙着——把我们看场地时想到的一些美术馆的想法记下来……美术馆应该是一个从上到下伸展、比例适宜的空间——轮椅可以随意走动。在任何地方不需被迫停下来,空间被上方的光线照亮,如果你将绘画作品分类的话,这将适合任何分组的绘画,或者是独立的绘画——一旦我自己满意了初步的设计,我就在去西部前,先把它带到纽约去,我们可以一起分享其中的苦恼与乐趣。它要么会使你完全放松警惕,要么就是你梦想要的建筑。“











赖特做了一些初步的设计图,并展示给古根海姆和雷贝。两人都对赖特的方案非常满意。“我知道你能行,”古根海姆说,“但是我没想到你会做得如此出色!”

虽然雷贝本人选择了赖特来设计古根海姆美术馆,但她一直对建筑表示出质疑。古根海姆先生一直很支持赖特,但在方案开始6年后的1949年,古根海姆去世,对设计造成了巨大的打击。古根海姆的委托人对建筑有很大的意见冲突,而代替雷贝的新领导,更是完全地反对它。而在这期间,还由于其它的各种阻碍,如二战后的通货膨胀、政府对建筑的重新规划等等,从最先初步设计的足足13年后赖特才终于看到建筑的开始施工。但就算是在施工阶段——从1956年到1959年赖特去世,在美术馆开放前6个月——斗争一直持续着。



今天,屹立在纽约的建筑,与1944年早期的构思有很大的不同。建筑的主体构思——一个连续的坡道——保留下来了。但是,随着在建筑用地上获得了更多的物业,以及美术馆本身内容的改变,不同的建筑解决方案也相应产生了。到1956年8月16日建筑开始破土动工的时候,已经完成了七套完整的施工图。这个项目拖延了16年,它被证明是赖特所有工程中最艰难、最耗时的一个。古根海姆先生没有看到自己喜爱的建筑开工建设,赖特也没有看到它的建成。

 
1992年时,建筑物加盖了一栋由 Gwathmey Siegel 建筑师事务所设计的方塔,该方塔比原先的螺旋型建物还高。同时,古根汉姆SOHO在曼哈顿下城开幕,增加了将近2700平方米的当代多媒体艺术的展览空间。

 
设计分析:
几何形体构成的运用:上大下小的螺旋形体形正是创作者多年所探求的,采用三个向度上都是曲线的、富有流动感的结构。
美术馆是他在约翰逊行政管理大楼中的树状柱和曲线元素的进一步发展。他抛弃了老式的柱梁结构,使建筑具有极强的“可塑性”:用钢材和钢筋混凝土来塑造建筑,将工程技术与建筑艺术结合成为不可分割的有机统一体。赖特希望这些建筑就像树木和花朵,体现出自然、“由内向外”和谐生长的设计理念。

在这座美术馆里,形式、空间和结构完全联系在一起,它们之间不再有区别。除了赖特开创的水平空间的流动,垂直空间的流动也被加了进来。美术馆室内的空间是多层的、包围的、环绕的、封闭的,同时又是自由的。赖特的意图是使参观美术馆的人们进入建筑后,乘坐电梯直达坡道的最上端,然后开始轻松缓慢地往下走。在坡道的任何位置上,参观者都可以辨别出哪些部分已经参观完了,哪些部分将要参观到。参观者也可以不继续参观而乘坐电梯离开,或者走回去重新参观。当参观结束的时候,他又回到了起点——建筑的入口。他可以离开,也可以去书店看看,或者到咖啡厅坐坐。但是这里没有原路返回的必要。





 
赖特将墙设计成微微向后倾斜,就好像艺术家绘画时使用的画板那样。一个连续的带状天窗,加上为自然光补充照明的白炽灯,顺着弯曲、倾斜的墙面来照亮绘画作品。多种照明方式是特意安排的:赖特认为一个在自然光下工作的艺术家,不可能两次在相同的光线下看到他的绘画。每天不同的时间,飘过的云彩和不同的季节——从冬到夏——都会引起光线的不同。


争议: 
对这栋建筑物大多的评价,主要在于厅内展示的艺术品都是设计成遮蔽式的,而且在中央螺旋四周又浅又无窗的展示壁内,要适当地摆设画作是件十分困难的事情。虽然圆形大厅借着一扇大型天窗显得十分明亮,但展示壁却因为走道的关系显得非常的阴暗,使得艺术品只得大量地使用人工补光的方式来加强。墙上的壁龛既不是垂直也不是平的,大多数仅稍微凹入一些,这表示画作必须得挂在墙面上。壁龛有限的空间也意味着雕刻品通常只能摆放到螺旋走道的地上。在古根海姆开幕前,有21位艺术家签署了一封信,抗议他们的画作展示于这样的空间内。

 
“建筑本身已经是一个很好的艺术品了,里面的东西是不是就显得逊色了?”赖特回应到:“我的方案构思,完全没有想让建筑超越其中的艺术品。相反地,建筑和艺术品将不受干扰、完美地整合在一起,这种和谐,在以往的艺术世界里从未存在过。”
 
图纸模型:









 
老照片:









建造中:








本文贡献:
文字来源:《弗兰克·劳埃德·赖特 经典作品集》电子工业出版社 译者:丁宁;百度百科;维基百科;《建筑初步》
照片版权:wiki,google,archdaily等;
全文组织:树状模式


已邀请:

要参与讨论请先登录注册